前言
把课堂搬进剧院，把行业一线变成专业学习的现场，是上海戏剧学院艺术科技与管理学院艺术管理专业长期坚持的实践教学传统。这一传统，与国家大剧院紧密相连。
国家大剧院位于北京天安门广场西侧，2007年12月正式开幕运营，是中国国家表演艺术中心。作为国家级表演艺术机构，它拥有歌剧院、音乐厅、戏剧场、小剧场等演出空间，并形成“一院三址”的整体格局——国家大剧院本部、北京艺术中心、台湖舞美艺术中心。这里不仅承担高水平舞台演出，也集剧目制作、演出运营、艺术普及、数字传播、剧院管理等功能于一体，是中国表演艺术的重要殿堂，也是艺术管理专业观察行业运行、理解艺术生产与传播的鲜活现场。
上戏艺管与国家大剧院在实践教学上的联系，可以追溯到2016年。彼时，国家大剧院已成为专业重要的实践基地之一。2017年，上海戏剧学院与国家大剧院签署战略合作协议，进一步将学生实践、调研及现场教学纳入双方合作。2018年，艺术管理系师生赴北京开展剧院管理现场教学，在国家大剧院围绕剧目制作、演出运营、舞台技术、市场营销、艺术普及、品牌推广等板块展开系统学习。2023年，学校依托国家大剧院实践基地继续开展研究生研学；2024年，艺术管理MFA歌剧制作方向研究生将《歌剧制作与歌剧院运营》课程带到北京，开展为期两周的现场教学。
一次次从上海到北京、从校园到剧院，国家大剧院不仅成为上戏艺管连接理论学习与行业实践的重要现场，也让一届届学生在真实的艺术生产与运营系统中理解专业、建立判断。这段持续多年的合作，已从实践基地建设延伸至艺术管理现场教学，成为上戏艺管实践育人体系中的重要一环。
今年9月7日至11日，上戏艺管再次把课堂带到国家大剧院。艺术科技与管理学院艺术管理专业19名本硕学生，在董峰教授、徐一文老师的带领下，开展为期五天的专业研学。
对于观众而言，一场演出从灯光亮起开始。
对于艺术管理者而言，它可能早在数月甚至数年前就已经开始。
从一部剧目的策划立项，到艺术家的选择与签约；从排练、制作、舞台合成，到宣传、票务与正式演出；当大幕落下，艺术普及、数字传播与观众关系仍在继续。一场演出的两个小时背后，是一个庞大而精密的艺术生产系统。
从国家大剧院本部，到北京艺术中心、台湖舞美艺术中心；从剧场前台，到制作、技术、传播与运营的工作现场，五天的研学沿着一场演出从“被生产”到“被看见”的完整链条展开。同学们在国家级艺术殿堂里不断追问：
艺术如何被生产、被传播、被看见，又如何真正抵达人民？
一场演出如何发生
国家大剧院人力资源部副部长王雪首先带领同学们认识这座国家级表演艺术机构。“人民性、艺术性、国际性”的办院宗旨，“高站位、高标准、高质量、高效率”的工作要求，“引领、传承、创新、开放、包容”的发展理念，以及“一院三址”的整体格局，共同勾勒出国家大剧院的基本面貌。
但真正走进剧院深处，一个更加具体的问题随之出现：
当艺术创作进入一个高度复杂的组织系统，一场演出究竟怎样从最初的构想走向舞台？
答案首先指向“协同”。
演出部副部长王路藜提出“以排期为核心”的管理机制。对于“一院三址、11个剧场”，以及线上演出与巡演共同构成的庞大演出体系而言，一张排期表连接的不只是演出时间，更连接着艺术品质、公益使命、市场预期、预算控制、场馆资源和跨部门协作。从策划立项、筹备签约，到运营组织、总结归档，一场演出由此进入一条环环相扣的工作链条。
而在歌剧制作中，这种协作的尺度更加清晰。
以国家大剧院原创歌剧《长征》为例，台前幕后参与工作人员曾超过450人，整个制作流程被拆解为200余项子任务；制作人、执行制作人、制作统筹以及创作、表演、技术等不同岗位，被纳入一套精细的管理体系。
剧目制作部部长韦兰芬以歌剧为例，将这一系统进一步展开：从筹备、制作到实施，从日程管理到艺术家管理，再到风险预判与应急方案，歌剧这场“大兵团作战”的背后，是对时间、人员、资源与艺术质量的持续协调。
舞台监督与舞台技术，则让这种协同真正进入排演现场。剧目制作部副部长李根实从前期筹备、排练厅排练、舞台工作到正式演出，梳理舞台管理的完整流程；舞台技术部一级高级主管尹婷则从剧场管理、技术协调、安全风险与乐务工作等角度，让舞台背后的另一套专业系统逐渐显现。
走到这里，“管理”与“艺术”之间原本看似清晰的边界开始消失。
艺术管理并不是站在艺术之外管理艺术。恰恰相反，当数百名创作者、表演者、技术人员和管理人员共同走向同一个舞台时，专业的管理，本身就是艺术得以发生的条件。
一座剧院如何抵达更多人
如果说剧目制作回答的是“艺术如何发生”，那么接下来的研学中，同学们看到的，是另一条更加漫长的链条：
当作品已经诞生，艺术如何走出舞台，真正抵达公众？
答案首先来自剧院空间本身。
在艺术品部部长刘欲晓的分享中，国家大剧院的公共空间被定义为“延伸的舞台”。展览、艺术收藏、文创、休闲、体验、教育逐渐进入剧院的公共空间。一座剧院所面对的公众，也不再只是持票进入剧场的观众。当演出之外的时间和空间同样成为艺术体验的一部分，剧院也由单一演出场所逐渐走向更加综合的文化场域。
这种变化，在“一院三址”的实地走访中变得更加具体。
在北京艺术中心，歌剧院、音乐厅、戏剧场、小剧场和绿心露天剧场共同构成新的艺术空间。面对北京城市副中心的客流与交通特点，剧院尝试通过差异化内容、品牌建设、复合业态、空间运营和公共交通接驳，将单一观演进一步延伸为文化与文旅体验。
在台湖舞美艺术中心，同学们则从另一个方向走进剧院的生产腹地。从室内剧场、露天剧场，到台湖舞美艺术博物馆、舞美制作工坊，再到经典剧目的服装与道具，舞台上短暂出现的视觉世界，在这里呈现出它漫长而具体的制作过程。
同属“一院三址”，不同空间面对的受众、功能和运营命题并不相同。
由此，同学们也看到：剧院管理从来不存在一套可以简单复制的固定答案，它始终是在空间、内容、公众与城市之间寻找新的关系。
从舞台走向云端
数字时代，剧院的边界正在从实体空间继续向外延伸。
在导播室、虚拟现实创作空间与录音棚监控室，同学们近距离看到舞台艺术如何转化为数字内容。影视节目制作部副部长侍莹莹用“内容数字化、传播网络化、消费场景化”概括这一变化，并提出数字文化传播应当“以剧场为根，云端为翼”。
舞台艺术最珍贵的“在场性”不可替代，但数字传播赋予作品新的生命：一次发生在剧场中的演出，可以突破时间与空间的限制，被更多人看见。
从剧场到云端，从一次观看到长期连接，艺术的“抵达”由此拥有更多路径。
品牌推广中心高级主管高建以“创意为先、内容为王、渠道为重”梳理品牌传播逻辑，同时强调长期主义，不陷入流量焦虑；市场部副部长胡涛则从票价、渠道、观众、口碑与文商旅联动出发，让同学们看到市场规律如何进入剧院运营。
另一端，艺术普及教育部副部长方礼君介绍的艺术普及教育体系，则让“抵达”拥有了另一层含义。
周末音乐会、经典艺术讲堂、演前导赏、公益演出，以及面向学校开展的系列美育活动，让剧院主动走向更广泛的人群。由此再回看研学第一天听到的“人民性”三个字，它不再只是一句办院宗旨，而落实为艺术机构每天面对公众的具体行动。
一座国家级艺术机构所经营的，从来不只是舞台上的几个小时。它也在不断创造公众接近艺术、理解艺术、参与艺术的可能。
结语|让专业学习在真实现场扎根
9月11日晚，同学们观摩国家大剧院原创话剧《背包客》。至此，为期五天的研学，在一场演出中落下帷幕。
五天，十个专题学习板块，三址参访，一场演出。
同学们在剧场深处行走、聆听、观察、追问，也在一个个具体现场中重新认识“艺术管理”四个字：一场演出如何从构想成为作品，一座剧院如何协调复杂的生产系统，一个艺术机构又如何通过运营、传播、教育与公共服务，让艺术真正抵达更多的人。
把课堂搬进剧院，不只是为了“看见”行业，更是为了让学生真正进入行业运行的逻辑之中。对同学们而言，这次研学不仅是一次专业实践，也是思政融入专业教学的一堂“行走的大思政课”——在国家文化殿堂的真实现场理解“人民性”的工作导向，感受国家级文化机构的使命担当，在真实问题中建立专业判断，并进一步思考文化强国建设中艺术管理者所承担的责任与使命。
这也是上戏艺术管理专业长期坚持实践育人的意义所在：让专业学习在真实的土壤里扎根，让艺术管理更好地服务艺术，也更好地服务人民。
文字 |王潆若 夏睿霖
图片 |严依朵 曹思雨
排版 |夏睿霖
审核 |唐芳 徐一文
